David Bowie: Moonage Daydream (2022)

Wer ist und war eigentlich David Bowie? Das ist eine Frage, die man nur schwer beantworten kann. Selbst der Popstar wusste keine wirkliche Antwort darauf: „I re-invented my image so many times that I’m in denial that I was originally an overweight Korean woman.“ Wie also soll man sich solch einem Chamäleon filmisch annähern, wie seine zahlreichen Metamorphosen und Häutungen begreifen, wie in Bilder fassen, was er selbst immer wieder neu erzeugte?

Universal Pictures Germany

Der US-amerikanische Filmemacher Brett Morgen sucht in seinem biografischen Essay Moonage Daydream keine Erklärungen für das Unerklärbare und Geheimnisvolle der Künstlerpersona David Bowie, sondern lässt die Bilder und Töne frei fließen. Zwar bewegt sich der Film mehr oder weniger an der Chronologie von Bowies Leben und Schaffen entlang, erlaubt sich aber ungeheure Freiheiten in Form wilder Zeitsprünge und experimenteller Exkurse, sodass ein Kaleidoskop verschiedenster Impressionen entsteht. Vielleicht aber ist genau das der richtige Weg, einem schillernden Enigma wie Bowie überhaupt gerecht zu werden.

Dies gilt umso mehr, da der Regisseur vor allem die Musik für sich selbst sprechen lässt und dabei gerade durch die Verwendung selten gehörter Klangexperimente an manchen Stellen perfekte Symbiosen zwischen den Tönen und Bildern entstehen, in die man sich hineinversenken kann, und sich in andere Welten wegträumen.

Joachim Kurz

Nick Cave: 20,000 Days on Earth

Womöglich waren ein paar Bier im Spiel, als mein Freund Philipp und ich in einer unserer typischen Diskussionen über Musikgeschichte schließlich bei Nick Cave gelandet sind. Die Feststellung, wir müssten uns bewusst sein, dass wir zeitgleich mit einem der größten Künstler aller Zeiten leben, hat mich zunächst etwas amüsiert. Doch im Lauf der Zeit hat mich dieser Gedanke nicht losgelassen: Nick Cave spielt fraglos in denselben Dimensionen wie David Bowie, teilt trotz der obligatorischen Anzugs-Uniform einen Hang zu Verwandlung, zur spirituellen Transformation.

Nick Cave ist Punk – auf seine ganz eigene, hochkulturelle Weise. Hört man die jüngsten Alben, die seit dem tragischen Tod zweier Söhne von einer zweifelnden Verletzlichkeit durchzogen sind, die zart und dennoch gewagt sind, scheinen die wilden Anfänge im London der frühen 80er-Jahre sehr weit zurückzuliegen. Da sorgte der junge, drahtige Australier mit The Birthday Party und dem rohen Postpunk für Aufsehen. Das Morbide hat ihn dabei immer schon magisch angezogen. Ebenso die religiösen Motive: Erlösung und Schuld, Gewalt, Sex und Liebe. Das sind die Themen von Nick Cave, der sich selbst zu einem poetischen Gesamtkunstwerk stilisiert hat. Wer der echte Mensch dahinter ist? Es spielt keine Rolle. Cave ist der Schriftsteller, der dichtende Musiker, der bildende Künstler und vor allem ein Bühnenprediger, dem das Pathos wahrlich nicht fremd ist. 

Daraus erklärt sich auch, warum es so viele Filme über Nick Cave gibt: Er ist einer der faszinierendsten Charaktere der Rockmusik, ein fleischgewordenes Labyrinth. Der beste der filmischen Versuche über den Sänger ist der experimentelle 20,000 Days on Earth. Jane Pollards und Iain Forsyth versuchen gar nicht die Kunstfigur zu durchstoßen – sie spielen mit ihr. Cave selbst darf sich inszenieren, sich einer Psychoanalyse unterziehen und sich auf kreative Weise selbst (ver)klären. 

Alle Weggefährt*Innen, von Blixa Bargeld zu Kylie Minogue, spielen in dieser dokumentarischen Fiktion mit. Man könnte hier nun Lüge und Betrug wittern, schließlich wollen wir den Menschen hinter der Rolle sehen. Aber wollen wir das? Die Banalität hinter der Kunst ist nicht selten eine ernüchternde Obszönität, die der Illusion des Werkes schadet. Insofern ist 20,000 Days on Earth selbstverständlich ein Dokumentarfilm, der uns die Arbeit an der Rolle zeigt und damit zu  so etwas wie einer Poetologie des Nick Cave wird, in der gar noch der Tod des eigenen Kindes aufgeht und die Worte einen Trost entfalten. Ich möchte nicht, dass meine Held*Innen schrumpfen, indem wir ihre normalen Leben sehen, denen wir doch alle in den Künsten zu entfliehen hoffen. 

Sebastian Seidler

Madonna: Truth or Dare (1991)

Die Pitchfork-Autorin Emma Madden bezeichnete diesen Film 2020 als „moralisch streitbares Dokument der rich white girl fantasy“. She’s a material girl in a material world – so viel wissen wir. Trotzdem ist Madonna: Truth or Dare irritierend – vermutlich, weil der Film wie ein Vorläufer des Reality-Fernsehens daherkommt. Die Kameras dürfen immer und überall sein und der Popstar agiert trotz ihrer Anwesenheit scheinbar ohne jeglichen Filter. Ist das der Mensch hinter der Rolle, die ernüchternde Obszönität, die Kollege Seidler beschreibt?

Klar, als Popstar ist man die Anwesenheit von Kameras gewohnt und Madonna war ohnehin immer bekannt für ihr loses Mundwerk, etwa einen berühmten Auftritt bei David Letterman, bei dem sie die Person am Zensurknopf zwang, einen neuen Piepsrekord aufzustellen. Neben gelungenen Provokationen, etwa als die Polizei in Toronto mit Verhaftung wegen öffentlicher Unanständigkeiten droht und Madonna sich daraufhin bei „Like A Virgin“ besonders beherzt in den Schritt fasst, tun sich hier aber auch Abgründe auf: „Als ich klein war, habe ich Mädchen wie dich verprügelt“, sagt sie einmal zu ihrer Make-up-Künstlerin Sharon Gault. Ein paar Tourstops und Filmszenen später kommt Gault zur Arbeit und berichtet, letzte Nacht unter Drogen gesetzt und vergewaltigt worden zu sein. Madonna lacht darüber.

Truth or Dare ist ein Prototyp der Backstage-Doku, die Larger-than-life-Popstars nahbar und menschlich machen soll. Müdigkeit ist ein Motiv, das sich durch Madonnas Off-Kommentar zieht, der Druck, den es bedeutet, jeden Abend unterhalten zu müssen. Vor einer Show in New York sieht man, dass sie mitgenommen und abgelenkt ist. Hier ist einige Monate zuvor ihr Freund Keith Haring an AIDS gestorben. Auch in einem noch wortwörtlicheren Sinne soll das Publikum Madonna näher kommen: durch voyeuristische Einblicke in die Umkleide, ins Hotelzimmerbett. Der Film wurde auch unter dem Titel „Im Bett mit Madonna“ vertrieben. An diesen Ansätzen haben sich seither andere Filme orientiert, etwa Gaga: Five Foot Two, in dem auch Lady Gaga mal weinend, mal unbekleidet zu sehen ist.

Amüsantes hat der Film auch zu bieten, gerade für Filmfans: Man erfährt, dass Madonna Fan von Pedro Almodovar ist und einen Crush auf Antonio Banderas hat. Deshalb ist sie sehr aufgeregt, ihn bei einer von Almodovar ausgerichteten Party zu treffen – nur um festzustellen, dass er schon verheiratet ist. „Ich glaub, er ist doch nicht so ein guter Schauspieler“, sagt sie im Anschluss. Madonna: Truth or Dare ist ein ständiges Schwanken zwischen Amüsantem und Abgründigem und gibt somit einen komplex und authentischen wirkenden Einblick ins Berühmtsein und in die Erfüllung einer rich white girl fantasy inklusive ihrer Korruptionen – anders als viele heutige-Dokus über Musiker*innen, die eher Werbefilme sind.

Der Ansatz, einfach draufzuhalten und den Star den Film tragen zu lassen, geht hier auf – dadurch, dass die Fliege an der Wand geradezu invasiv ist und der Star vielschichtig und streitbar ist. Eine Stilentscheidung: Die Backstage-Szenen sind in Schwarzweiß gefilmt, die Ausschnitte aus Konzertauftritten in Farbe. Oft konterkariert das eine das andere. Nach der Erwähnung des Tods Keith Harings wird ausgerechnet die Performance von „Holiday“ gezeigt, dem Gute-Laune-Hit vom ersten Album, mit dem Madonna 1983 ihren Durchbruch feierte.

Der damalige Boyfriend Warren Beaty kommentiert als einziger einmal die Anwesenheit der Kameras: Warum ihre Teammitglieder und Mitmenschen wohl noch nicht angesprochen hätten, dass es merkwürdig sei, ununterbrochen gefilmt zu werden. „Ohne Kameras hätte sie wohl nichts zu sagen“, feixt er. „Wozu sprechen, wenn es off-camera ist? Wozu existieren?“ Die Beziehung hat nicht lange gehalten.

Mathis Raabe